Crónicas con Luzinterruptus

Cuando en Taller de Bicicletas nos enteramos que el colectivo Luzinterruptus vendría a Caracas para presentarse en festival urbano “Por el medio de la calle”, nos motorizamos inmediatamente para conocerle y consecuentemente ayudarles en su montaje, desde luego, estar al tanto de sus historias urbanas como artistas. En realidad, fue muy grato conocerles porque ellos comparten amigos comunes con Douglas (Taller de Bicicletas) quien vivió muchos años en España compartiendo andanzas como artistas urbanos de ese país. Enseguida, surgió entre ellos las coincidencias y subsecuentemente la complicidad que se da entre personas que conocen y trabajan las calles, y esa buena vibra alcanzó al resto de grupo.

Dicen que las ciudades se las conoce, como a las personas, por el andar. Por lo tanto, ellos (Luzinterruptus) no tardaron en corroborar sus impresiones visuales y preguntar sobre la ciudad de Caracas. Douglas solía responder desde su memoria individual y referencia personal, la relación que podríamos encontrar entre Madrid y Caracas, elaborando juntos una especie de croquis urbano colectivo, complementado por metáforas urbanas en cuyo ejercicio nos permitían a quienes allí nos encontrábamos darle un sentido a la  naturaleza estética del arte urbano: el adentro, afuera, el antes y después del mismo; de las ciudades que se toman y someten para otorgarle color y frescura. Todo ello, le daba luces a nuestra proyección imaginaria de la ciudad que tenemos y de aquellas que desconocemos.

Pronto entre miles de bombillitas Led´s, pilas de litios, figuritas coloridas de peces, anémonas y boyitas “made in China” y bolsas plásticas trasparentes, que tenían que ser ensambladas como parte de la propuesta titulada “Un río envasado que ocupa la calle”, que sería plantada en la calle durante el festival. Amenamente, Luzinterruptus, algunos voluntarios y quienes formamos parte de Taller de Bicicletas, intercambiábamos impresiones a la vez que entrábamos en ritmo, de manera de tener todo a tiempo para el montaje final del día sábado. Todos éramos parte de una algarabía generalizada, aun así, visualizábamos lo que podría ser la instalación, a la vez, que ensamblamos una a una las piezas de aquella singular intervención. No obstante, todo se silenciaba, para escuchar las conversaciones que sostenían los chicos de Luzinterruptus con Douglas. Donde se hablaba como la depresión económica de España y la crisis del sector inmobiliaria en la ciudades habían afectado al amplio gremio de arquitectos y como estos se habían volcado al arte urbano, lo ecológico y al reciclaje para de esa manera activarse dentro de sus conocimientos y su sentir ciudadano. Mientras, que por su parte, los artistas urbanos, cada día más se mimetizan con los activistas sociales, todo con el fin de subvertir la calle de una manera creativa, porque de esa manera, sumaban el apoyo de aquellos ciudadanos que a pesar de su desencanto por la mala política, no se atreven asumir la calle como el medio más efectivo de expresar su indignación. Lo que dejaba claro, que el arte urbano desde la época de Muelle en los 70 era cosa de profesionales y no tanto de chavales irreverentes. Por nuestra parte, Douglas como el resto de Taller de Bicicletas replicábamos, diciéndole que Caracas cada día más se consolidan los colectivos ciudadanos, y que a través del arte y/o la creatividad crean conciencia de ciudad, eso ha hecho que cada vez el espectador urbano haga sus veces de artista y esté más dispuesto en asumir su rol de ciudadano y, lo importante era eso, que los caraqueños dejen de ser espectadores y asuman protagonismo dentro de su propia ciudad, y que los artistas urbanos ya eran reconocidos por la ciudad y lo que es mejor gozaban cada días más de su simpatía.

Sólo un pequeño grupo de los voluntarios, incluyendo a Taller

Luzinterruptus y Taller de Bicicletas, coincidíamos en los escenarios de la vida colectiva mental de los ciudadanos que viven y son conmovidos por el acontecimiento cultural, el escenario social y urbano que desde la ciudad se construye. Desde luego, como se liberan los espacios simulados o esos no lugares que nos atraviesan a diario, los ruidos visuales: las vallas, la publicidad, el graffiti, los avisos callejeros, los pictogramas y tantas otras fantasmagorías que ha hecho, en el caso especifico de Luzinterruptus opten por las instalaciones lumínicas transitorias sustentado por las luces Led´s. Concluyentemente, distinguíamos que cada ciudad tiene su propia estilística y vida social pero todas demandan lo mismo; mejores gerentes que nos garanticen servicios, seguridad y por supuesto una estupenda ciudadanía, para de alguna manera evitar que aquello que solemos llamar lo cotidiano, se nos convierta en una triste realidad.

 Las instalaciones lumínica Luzinterruptus bien la conocemos porque están en su blog y han sido posteadas por miles en el facebook. Pero del anecdotario de donde podríamos nutrirnos con las experiencias en las distintas ciudades no sabíamos nada. Así que una especie de alternancia oral, los chicos nos relataban de como Nueva York, con la ayuda de un taxista quien atravesó su taxi para impedir que otros vehículos pudieran atropellarles pudieron intervenir una calle, de cómo en Hamburgo tuvieron un apoyo masivo de voluntarios todo gracias a que ese voluntariado traía como recompensa un boleto para el festival, de cómo la intervención de Melbourne con 10.000 libros era digna de un record Guinness, así mismo comentaron las particularidades de su intervención con bolsas iluminadas en un contenedor de escombros frente al museo suizo de Winterthur y de las expectativas que tienen con su posible intervención en la ciudad de Buenos Aires. Dejaron claro, que ellos hacen dos intervenciones al año para la ciudad de Madrid las cuales subvencionan gracias a las participaciones que realizan en los distintos festivales internacionales. Evidentemente, todos estos relatos de intervenciones, arte y ciudades, generaron una dócil y genuina envidia entre nosotros.

El sábado comenzaron a disiparse las interrogantes que suelen atacar a todos los artistas antes de una puesta en escena. Ese día, y como se ha hecho costumbre desde temprano mucha gente comenzaba a merodear por la calles, buscando ver los distintos montajes y conocer a los distintos artistas que suelen presentarse en este evento. Poco a poco, una a una, íbamos terminando las 2.000 bolsas iluminadas que a manera de pecera este colectivo madrileño tenía proyectadas para nuestra ciudad. Cabe decir, que por realizar esta instalación desconocían que su ciudad estaba de fiesta, porque el Real Madrid había ganado la súper copa de España, mientras, el Atlético hacia lo mismo en la súper copa de Europa, pero en este el momento, ello eran arte y parte del mayor de los festivales de calle que se hace en Caracas. Finalmente, todo estuvo estupendo, Luzinterruptus se lució con la instalación, Taller de Bicicletas y demás voluntarios quedamos encantados, la gente quedó fascinada y la ciudad ideal como hábitat perfecto seguirá siendo esa utopia que desde la Antigüedad ha preocupado al hombre.

4ta edición de Urbanitas en la Ruta Nocturna de los Museos.

Diseño de Esther García

Esta nueva edición de la propuesta pública Urbanitas, insertada dentro de la Ruta nocturna de los Museos realizada por el IARTE y el ministerio popular de la Cultura, y que se realizó el viernes 17 de Agosto en el corredor vial de la avenida México que lleva de la Galería de Arte Nacional a las Plazas de los Museo, llenando de diversas propuestas creativa la calle y  permitiéndole en el caso de Urbanitas a los transeúntes a ser parte activa de una interferencia a través de intervenciones de maniquíes y cabinas telefónicas y dibujos digitales, sino que también pudieron interactuar con artistas urbanos tales como Miss Hask, Saz Oner, D11, Gub, Bakro, Gladys Calzadilla, Gata Gamboa, Andreina Acero y Calaca quienes trabajaron sus piezas in situ apoyados por los chicos de Taller de Bicicletas que a sus vez presentaron una propuesta lúdica con Post it con un deseo para la ciudad y coloridas Rayuelas.

Rayuela

Por Douglas García

Intervención de D11

Calaca

Nudos Crochet

Andreina Acero

Miss Hask

El propósito de esta nueva edición de Urbanitas, es rehabilitar la urbanidad en la arquitectura humana de nuestra ciudad a través del activismo ciudadano y el Arte, entendiendo que el arte es el guiño necesario para establecer un dialogo entre el espacio urbano y la ciudadanía, asimismo, que estos se unan de una manera activa a las distintas propuestas que están insertada en la Ruta nocturna de los museos.

Gata Gamboa

GUB

La plataforma creativa urbana Taller de Bicicletas entendemos que los espacios públicos son espacios democráticos, por lo tanto, debe ser un espacio de intercambios donde se debe retomar el espíritu constructivo y corazón positivista de nuestra urbe y debemos asumir la calle como un espacio de creación e interacción, y que estas calles sean el cuerpo de nuestra 

creatividad.

KEITH HARING

Keith Haring nació y creció en Reading, Pennsylvania. Mostró temprano interés por el arte y estudió diseño en la Ivy School of Professional Art de Pittsburgh, ciudad en la que montó su primera exposición individual –de obra aún abstracta– a los veinte años, en 1978. Ese mismo año se trasladó a Nueva York para estudiar en la School of Visual Arts. Allí entró en contacto con el graffiti, que se convertiría en una de las mayores influencias en su trabajo, y desarrolló la campaña de postgraffiti que le llevó a la fama.

En la percepción mayoritaria las actividades del graffiti y del postgraffiti forman parte de un confuso conjunto de elementos cuyos parecidos son evidentes pero cuyas fundamentales diferencias pasan desapercibidas. Como hemos repetido a menudo, la diferencia básica entre uno y otro es su público: el escritor de graffiti se dirige exclusivamente a una audiencia especializada compuesta sólo por sus pares –los únicos preparados para entender su mensaje– mientras el artista de postgraffiti trabaja para el público general.

Uno de los malentendidos más comunes producto del desconocimiento de esta realidad es la clasificación de Keith Haring, Jean-Michel Basquiat o Kenny Scharfcomo artistas del graffiti. Aunque el fenómeno sería una influencia importante en todos ellos ninguno de los tres fue nunca escritor de graffiti. Eran pintores formados en la tradición del arte culto que experimentaron en mayor o menor medida con la actuación independiente en la calle.

La vinculación es consecuencia de varios factores. Por un lado, sus estilos pictóricos –definidos como “bad painting” (pintura mala)– son en diferente medida cercanos al del graffiti de entonces. Por otro, los tres saltaron al estrellato a principios de los ochenta en Nueva York, mientras tenía lugar el breve boom del graffiti en el mundo del arte, que llevó a un puñado de escritores del metro como Lee o Futura 2000 a pintar sobre lienzo y a exponer internacionalmente. Por supuesto, Haring y Basquiat consiguieron fama a través de sus obras de calle, pero éstas no formaban parte del juego del graffiti. Eran en realidad muestras de postgraffiti, dirigidas al público general.

Existieron numerosas conexiones entre los pintores del bad painting y los escritores convertidos en artistas. Ambos grupos compartieron a menudo escenario en exposiciones colectivas. Fue precisamente en una de ellas –la influyente Times Square Show de 1980– donde Haring contactó con Fab 5 Freddy y otros escritores de graffiti. La convivencia tenía también lugar en ciertos clubs nocturnos irreverentes y cargados de contenido artístico, el ambiente natural de Haring y su entorno. En el Mudd Club el artista comisarió en 1981 la muestra colectiva Downtown Invitational Drawing Show, que incluyó a Crash y Daze entre otros muchos escritores. Haring estableció una relación cercana con Fab 5 Freddy y con las culturas del graffiti y del hip-hop.

El artista llegó a la ciudad cuando el graffiti vivía sus años dorados y desarrolló enseguida una afinidad hacia él: “Llegué a Nueva York en un momento en que las pinturas más bellas que se exhibían en la ciudad iban sobre ruedas –sobre trenes–, pinturas que viajaban hasta ti en vez de lo contrario.” “Me sentí inmediatamente a gusto con este arte. Era consciente de él donde quiera que estuviera. Así que el tiempo invertido en viajar a una galería, performance o concierto era tan interesante y educativo como aquello que me dirigía a ver. A veces ni siquiera me subía al primer tren. Me sentaba y esperaba a ver qué había en el siguiente.”

Un tren cualquiera en las líneas IRT, 1980

Pero Haring nunca pretendió practicar el graffiti: “Nunca tuve intención, sin embargo, de subirme al carro e imitar su estilo.” Fab 5 Freddy lo expresa así: “Recuerdo que teníamos conversaciones sobre el graffiti, le encantaba, entendía lo que era, sentía la energía, quería ser parte de ello, pero quería hacer su propio producto individual.”

La atracción de Haring por el graffiti tenía que ver con diferentes aspectos: “la imaginería pop, la dedicación al dibujo que hace merecer la pena el peligro […].” “La técnica de dibujo con aerosol es impresionante porque es increíblemente difícil. Y la fluidez de la línea, y la manera en que lidiaban con la escala para hacer esos trenes tan enormes. ¡Y siempre el contorno negro y definido que ataba los dibujos entre sí! Era la línea con que había estado obsesionado desde la infancia.” Efectivamente, los contornos de línea definida que caracterizan tanto el graffiti –donde aparecen procedentes del cómic, los dibujos animados y la rotulación comercial– como el trabajo de Haring –que los toma también de los dibujos animados, la base de su educación estética– ya estaban presentes en la obra del artista antes de su llegada a Nueva York.

La línea es además el elemento con que se construye la firma, la forma de graffiti más denostada, cuyos valores formales ni siquiera los paladines del fenómeno se atreven casi nunca a defender. Las firmas ejecutadas con rotulador cubrían por entonces de arriba a abajo los interiores de los vagones de metro en un salvaje contrapunto a los coloridos exteriores. Haring era también admirador de los interiores y apreciaba en las firmas valores cercanos a los de la caligrafía oriental o a los de artistas gestuales como Dubuffet o Alechinsky.

Interior de un vagón en las líneas IRT, principios de los ochenta

Pero el aspecto del graffiti que más interesó a Haring fue “la relación directa entre el artista y la audiencia.” Esta cercanía satisfacía su vocación populista, que le llevaba también a apreciar la amplitud del espectro de público que podía alcanzar actuando en la calle. Haring tomó consciencia de esto poco después de llegar a Nueva York en una ocasión en que, pintando en un estudio con grandes puertas abiertas a una calle transitada, observó cómo viandantes de todo perfil social se detenían y comentaban su obra.

Otros artistas que experimentaban entonces en Nueva York con la actuación independiente en el espacio público contribuyeron a la salida a la calle de Haring, especialmente su amiga Jenny Holzer. La piezas textuales que ésta venía instalando en forma de carteles desde 1977 inspiraron –junto con el “cut-up” de William Burroughs– el primer proyecto callejero de Haring, de 1980, una serie de carteles fotocopiados que reproducían titulares satíricos compuestos a partir de recortes de prensa sensacionalista. Los textos se acompañaban con fotografías de los protagonistas de las imposiblemente escandalosas noticias, casi siempre Reagan o el Papa.

Entre sus primeros experimentos de calle estuvo también la contrapublicidad: ese mismo año Haring intervino una serie de paneles publicitarios de Chardón –que mostraban el rostro de una mujer junto al trasero de un hombre enfundado en unos vaqueros– obliterando la primera letra de modo que leyeran “hardon” (erección). Tanto estas intervenciones como los carteles satíricos se encuentran entre los primeros ejemplos documentados de culture jamming, el conjunto de tácticas de activismo posmoderno que distorsionan con humor el lenguaje dominante para volverlo contra sí.

Originales de dos de los carteles instalados por Haring en las calles de Nueva York en 1980

Pero el proyecto público que dio fama a Haring fue otro. En 1980 comenzó a dibujar con tiza sobre los papeles negros con que la empresa explotadora de los paneles publicitarios del metro los cubría en los periodos en que no estaban alquilados. Aunque su actividad tenía lugar en el escenario más característico del graffiti la actitud de Haring era muy distinta a la de los escritores. Actuaba abiertamente mientras el metro estaba en funcionamiento, sujeto a los comentarios del numeroso público y en compañía de una fotógrafa que documentaba el proceso. Este conjunto de factores conferían a la obra un componente performático que el artista consideraba importante.

La elección de un soporte temporal –cuya usurpación no causa mayores daños– y de un material tan poco agresivo como la tiza separaba claramente el trabajo de Haring del graffiti, y solía además evitar problemas legales al artista. Pero la principal diferencia entre el graffiti y los dibujos de Haring radica en que éstos son inteligibles para el público, la característica básica del postgraffiti. Los dibujos, siempre cambiantes, eran ejecutados con un estilo claro y legible, que además de hacerlos accesibles permitía la rapidez de lectura necesaria en un entorno de flujo rápido como es el metro.

El trabajo público de Haring funcionó como una campaña de postgraffiti narrativo. A lo largo de varios años e infinidad de dibujos –hasta cuarenta en un solo día– el artista desarrolló en los paneles del metro un universo simbólico y gráfico personal que los viajeros reconocían y con el que establecían una relación diaria. Este desarrollo fue incentivado por la transitoriedad del soporte: para mantener su presencia en el metro Haring había de producir nuevos dibujos tan pronto como los carteles eran cubiertos, lo cual sucedía con frecuencia. Haring sacó también sus dibujos del metro a la calle –aunque en menor medida– sustituyendo en algunos casos la tiza por el grueso rotulador permanente propio del graffiti.

Fotografía de Ivan Dalla Tana, 1984

La enorme popularidad del postgraffiti de Haring entre la gente de Nueva York llamó en seguida la atención del sistema del arte: Andy Warhol lo adoptó en su círculo y el entonces emergente galerista Tony Shafrazi le organizó en 1982 una sonada exposición individual que significaría el despegue de su fulgurante éxito, por el que se convirtió en un popular personaje mediático en todo el mundo. Pronto exhibió su trabajo en la galería del influyente Leo Castelli y se estableció como estrella del arte profesional, aunque su populismo impidió siempre su plena aceptación entre la crítica especializada.

Haring siguió considerando el metro su lugar preferido de trabajo y no dejó de actuar en él hasta 1986, cuando el éxito comercial comenzó a provocar el robo de sus dibujos, un fenómeno que se viene repetiendo durante el último par de años en la escena del arte urbano. Ejecutó además numerosos murales en diferentes países, en ocasiones de forma autónoma. Su obra incorporó contenidos políticos cada vez más explícitos sobre todo a partir de 1988, cuando conoció su condición de seropositivo. La enfermedad le quitó la vida en 1990.

Un aspecto tan determinante como silenciado en la carrera de Haring es su colaboración con el escritor de graffiti de origen portorriqueño LA II o La Rock (Ángel Ortiz), a quien conoció en 1980. Haring había visto a menudo la firma de LA II –que tenía entonces trece años– en el East Village, el barrio natal del escritor. Impresionado por su juventud y talento Haring adoptó a LA II como protegido y lo convirtió en su colaborador durante varios años.

La relación fue estrecha y mutuamente enriquecedora: Haring introdujo a LA II, de origen humilde, en el ambiente del arte y lo llevó consigo en sus viajes internacionales. LA II por su parte llevó a Haring a una cochera de Brooklyn en la que el artista tuvo oportunidad de experimentar sobre el soporte tradicional del graffiti, los vagones de metro. Haring se benefició además de la credibilidad callejera que la participación del escritor confería a su obra.

Ambos coprodujeron un gran número de pinturas y objetos en los que el escritor llenaba de firmas los espacios negativos entre las líneas de Haring. Esta aportación fue decisiva en el desarrollo del lenguaje del artista y dio lugar al estilo que Haring convertiría en una de sus señas de identidad. LA II afirma que, si bien Haring le trataba como un igual y compartía con él los beneficios producidos por sus obras conjuntas, la fundación que administra el legado del artista le ha ignorado y ha comercializado su trabajo sin darle crédito ni dinero. Efectivamente es muy habitual encontrar en catálogos y exposiciones trabajos conjuntos atribuidos sólo a Haring.

Keith Haring y LA II: “Untitled”, 1981. Acrílico y rotulador sobre metal, 120×120cm

Llevando a la práctica el legado teórico de Warhol, Haring fue el primer artista en producir obra para el mercado popular. Dio rienda suelta a su vocación populista comercializando numerosas series de merchandising que daban la oportunidad a cualquiera, sin distinción de capacidad económica, de poseer una muestra de su obra. Esta diversificación de mercados es uno de los aspectos más característicos de la actual escena del arte urbano. Haring fue también pionero en el acceso al sistema del arte a través de una previa aceptación popular y mediática, la ruta que han recorrido recientemente Banksy o Shepard Fairey.

El éxito comercial de Haring avivó enormemente la escena de arte urbano que venía desarrollándose en Nueva York y tuvo eco también en las surgidas durante esos años en París o São Paulo. En un fenómeno equivalente al actual “efecto Banksy” numerosos artistas se echaron a la calle, en ocasiones con objetivo de construirse rápidas reputaciones personales que intentar rentabilizar en el mercado el arte.

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Las citas están tomadas de los siguientes textos: Gruen, John: “Conversation with Keith Haring”. En “The Keith Haring Show”, catálogo de la exposición del mismo título. Skira, Milán, 2005. | Haring, Keith: “Art in transit”. En “Art in Transit, subway drawings”. Harmony books, Nueva York, 1984. | Stark, David: “Conversations” (entrevista con Fab 5 Freddy, 1997). Página web de The Keith Haring Foundation.

(Fuente: Urbanario)

Entrevista a Martha Cooper

Está de mas decir que Martha Cooper ha sido una de las documentalistas sobre la cultura del graffiti de las últimas décadas, y su conocimiento de la cultura urbana, hip hop y fotografía es icónica.


Recientemente Martha Cooper ha ampliado su documentación de graffitis a través de fotografías y colecciones de stickers. Sus dos últimos libros “Going Postal” y “Name Tagging” ha hecho centrar la atención en el arte en estos ámbitos.


C: En tu libro Name Tagging, explicas cómo comenzaste a apreciar los stickers antes de comprar tu primera cámara digital. Cuál fue el medio digital que inició tu interés en los stickers?


MC: Pre-digital, muy raras veces tomaba mi pesada Nikon, a menos que tuviese algo específico que tomar. Costaba unos 50 centavos el filmar y procesar todo el tiempo. Así que siempre estuve interesada en el mundo de los stickrs, por años, pero no los había observado tan de cerca ni había podido abordar tantos.
Mi primera cámara digital fué una Olympus que podía llevar fácilmete conmigo todo el tiempo. Tenía un buen lente de close-up y trabajaba bien con poca luz. Una ve que tuve la cámara, no me costó nada más que seguir tomando fotos, así que era libre de tomar todas las fotos que quisiera. La transición de análogo a digita fué todo un reto. Fotografiar stickers fué una desestresante manera para practicar con la nueva tecnología con un tema que me interesaba.




C: Qué te motivó a tomar los stickers de las calles y los coleccionarlos, en vez de sólo fotografiarlos?


MC: Siempre he sido una coleccionista. Me gusta ver diferentes tipos de cosas. Al principio, despues de fotografiar un sticker, lo imprimía y lo guardaba en un album. Luego comencé a sentirme insatisfecha, quería el original. Yo sólo fotografiaba y coleccionaba stickres hechos a mano, el cual se podría decir que es, actualmente, el único tipo de graffiti y arte urbano que puedes remover de las calles.. Claro, muchos escritores me han criticado por eso, y sé que ésta es una defensa muy debil, pero algún día, me gustaría tener un museo para exhibir los stickers.

C: Tienes una perspectiva única como autoridad femenina en este ámbito dominado por hombres. Como documentalista de una subcultura ilegal, estando en la edad de las madres de muchos de esos chicos, has tenido algun tipo de conflicto entre alguno de tus roles?


MC: No soy realmente una figura de autoridad. Trato de no juzgar. Mi papel es algo más parecido a una antropóloga: observar particivamente.




C: Tiendes a documentar aquello que no suele ser tan popular, colocando a los desconocidos a la vista del público. Tus últimos dos libros han sido sobre stckers. Porqué te dedicas a a documentar subculturas?, o , en el caso de los stickers, subculturas dentro de subculturas?



MC: Lo más divertido es saber qué es lo que está sucediendo y buscar la mejor manera para representarlo. Me gusta documentar cosas ue no han sido tan expuestas, que son más difíciles de encontrar. Estoy interesada en todo tipo de arte que se ve en la vida diaria, y la cámara es la mejor herramienta para recolectar y preservar.

C: La mayoría de tus fotografías presentan sus objetivos sin sus contextos, pero casi siempre esas fotos han sido cortadas, incluyendo esto, porqué?


MC: Mientras sea posible, fotografío los stickers cn su contexto más próximo. Pero ellas son pequeñas, por ello el detalle del mismo se perdería en las páginas de los libros, por ello, he tenido que cortar el fondo en gran parte de los casos.





C: Cómo eliges los perfiles de los artistas que aparecerán en tus libros?


MC: Elijo a los artistas cuyos trabajos más me agraden, tenga una buena foto y con quien halla estabelecido algún tipo de comunicación. En Going Postal, especialmente quise trabajar con artistas de Philly, porque ellos tienen un trazo muy fuerte en sus stickers, y en Name Tagging quise variar con artistas de distintas edades.

C: Entre todos esos stickers que ves en las paredes, qué es lo que hace que destaquen algunos?


MC: Los Stikers hechos a manos son difíceles de encontrar, así que son esos los que me interesan más. Después de esos, estam las de tipografías fuertes, o unestilo único que capte mi atención. Soy fan de ambos: graffiti y arte callejero.




C: En los 80’s y 90’s hubo muy poca documentación del graffiti y la cultura hip hop, y las pocas imágenes elgidas de esas épocas, se han vuelto icónicas. Crees que con la facilidad de la fotografía digital, podría haber una recarga de documentación?


MC: En temas de publicidad y mercadeo, es probable que asi sea. Pero en los términos de ver y compartir el arte público y callejero, nunca será demasiado.

C: Cientos de fotos de stickers y de arte urbano, son subidas a Flickr diariamente. Porqué la gente debería comprar libros de éstos temas en una era donde la misma información está en linea, de acceso libre y masivo?



MC: Siempre me hago esa pregunta todo el tioempo. Soy una amante de los libros, soy un dinosaurio… Me gusta pensar que la edición, y la selección organizada del arte, la calidad de las fotos y los textos informativos, hacen a los libros valiosos, pero tal vez no.




C: Cómo crees que shows tipo DB, puedan cambiar la percepción del público acerca de los graffitis stickers?



MC: DB ha juntado una amravillosa colección de no sólo graffiti, sino de todo tipo de artistas de stickers. La mayoría de las personas caminan por las calles con stickers y demás artes callejeras, y no las ven. DB les muestra que debe abrir los ojos hacia lo que se están perdiendo.





C:Metas o planes para el 2012?



MC: Desde el 2006 he estado documentando una comuidad en Southwest Baltimore, llamado SoWeBo, y pienso juntar todas esas fotos en libro, antes de que estos se vuelvan obsoletos.




Fuente: Vandalog

Las 10 mejores noticias sobre arte urbano y graffiti del 2011

Porque el arte urbano tampoco escapa de las listas de fin de año, y éste 2011 fue excepcional en lo que a este tema se refiere,  la gente de LA Weekly  hizo su lista de las 10 noticias sobre las obras de arte urbano y graffiti más  notables de este año.

 10. Shepard Fairey asaltado en Copenhague: Algo está podrido en el Estado de Dinamarca, la "paz".

Shepard estaba de visita en Dinamarca en nombre de V1, una galería de notables locales de Copenhague que tal vez no hicieron su tarea en la limpieza de un lugar ya controversial para él pintar. O tal vez no les importaba – a lo mejor sería para  llamar la atención de los medios de comunicación. Particularmente inquietante es que algunos europeos "anarquistas" pensaran que  sería justo para golpear y herir a un artista para mostrar su punto de vista. Sea que guste o no, nunca está bien agredir a un artista por su trabajo. 

  9. Risk and Retna pintan una casa para Heal the bay

El dueño de la Propiedad y el equipo de Graf Artist se ponen de acuerdo  para crear la pieza del año. Toda una casa en Santa Mónica, en su mayoría pintados en secreto por Risk y Retna en honor al evento de  Heal the Bay: día de Limpieza de Costas de la Bahía. Tres meses de preparación incluyendo un equipo de contratistas, jardineros, la mayoría de los vecinos e incluso algunos policías que contribuyeron a revelar una asombrosa  obra que duró un poco más de una semana. 

  8. Brooklyn Museum cancela segunda parte de "Arte en las Calles"
Fue un día triste para los aficionados al arte en Nueva York y el Museo de Brooklyn. En un correo electrónico enviado a los artistas participantes del directora del museo, Arnold Lehman, la East Coast le negó oficialmente la exposición más concurrida de la historia del MOCA. Por no mencionar el hecho de que se presentó un contingente fuerte de grandes talentos de Big Apple como Futura, Lee, Basquiat y Ramellzee. A pesar de algunas falsas etiquetas en el barrio de Little Tokyo, esto no termina aquí: Nueva York espera ser anfitrión de una sorprendente versión de la serie en un futuro próximo.

  7. JR gana el premio TED, y lleva su proyecto “Wrinkles” (Arrugas) a Los Ángeles
El activista / artista / fotógrafo francés, JR trae su serie"Las arrugas de la Ciudad", una serie de su último trabajo a Los Ángeles, con su reciente nominación del premio TED, Los Ángeles se convirtió en la primera ciudad de EE.UU. para acoger uno de los proyectos a gran escala del artista de la calle. Tal vez sus decisiones de localización en otros lugares, han sido más conmovedoras (las favelas de Brasil o de los pueblos asolados por la guerra de Somalia), pero colocar imágenes de ancianos, con el ceño fruncido tan profundo como el río Los Angeles podría iniciar conversaciones interesantes en esta meca de la cirugía plástica. 

  6. Revok arrestados, una fianza de 320k registros
El Condado de Los Ángeles hace un ejemplo de uno de sus artistas de graffiti más famosos y talentosos. Se escapa a Detroit, sólo para representar con una exposición en una galería a casa llena unos meses después en el Fairfax  District. El fiscal del distrito prepara un caso contra él para que no se le permita pintar en público en Los Angeles de nuevo.

 5. Los túneles están a la moda: el Proyecto de Underbelly, Paris edition
El proyecto Underbelly es un concepto de Brooklyn street artists Workhorse y PAC. La primera entrega fue en Nueva York en 2010 y fue una operación difícil, encubierta en la que 103 de los más grandes nombres en el arte callejero y el graffiti fueron invitados a un secreto, ilegal, y abandonado túnel del metro bajo tierra para hacer arte en un período de 18 meses. Sólo los amigos y un par de periodistas saben dónde está, sólo ellos lo han visto. Con el arte de Swoon, Revok, Ron English y Faile, es probable que sea impresionante. Recientemente, la edición de París se completó con 10 artistas, entre ellos HowNosm, Saber y Futura, fotografiado por Martha Cooper. Continuando con la tendencia del túnel,  el galerista Steve Lazarides recientemente organizó una exhibición de arte y fantasía en el antiguo túnel Vic de Londres, el cual nombró Minotauro. Pero tal vez Banksy lo empezó todo en 2008 con su "Festival de Cans", abierta al público en la estación de Leake Street.

 4. Saber y su pieza de publicidad aérea en el ayuntamiento
Otra proeza de Saber. Como una protesta contra la moratoria mural de la ciudad, que le ha urdido una campaña que inunda el cielo de la ciudad de Hall en la hora del almuerzo. El proyecto es apoyado por Shepard  Fairey, la revista Juxtapoz y Twitter. Con las consignas de  "El arte no es un crimen" y "Moratoria Arte Final" se ven  garabateados entre las nubes. Él podría haber hecho un punto. Y eso nos lleva a ...

 3. Moratoria de murales de Los Ángeles puede ser levantada en el año 2012
Puede que sea demasiado bueno para ser verdad, pero ¿están  LA en camino una vez más a convertirse en la capital mural del mundo? La moratoria de arte público que se inició en 2007, puede ser levantada gracias a la protesta pública, la acción de artistas y un tipo llamado Tanner Blackman. Hay un foro el 10 de enero que podría ser el factor decisivo. Los dueños de propiedades, una vez más serán  capaces de dar permiso a los artistas a hacer arte en sus edificios sin la amenaza de acciónes penales. Los artistas no serán arrestados o multados tampoco.

 2. Banksy es nominado  al Oscar y deja de arte en todo Los Ángeles
Fue nominado, pero sin haber sido invitad. Banksy vino a Los Ángeles, dejó una obra de arte que fue robado y que ha causado un furor en TMZ. La Academia tenía  miedo de lo que este artista de graffiti fuera de la ley haría si ganaba. ¿Llevaría una máscara de mono? ¿Pasaría por el escenario desnudo, como ese tipo en los años setenta? Después de todo, él ha enviado a Mr. Brainwash para aceptar su premio  de “Independent Spirit”

   1. "El arte en la calle" en el MOCA
Jeffery Deitch  logra que el museo exponga un tema que normalmente no se mostraría. El curador  genera polémica reuniendo a artistas y aficionados al arte urbano de todo el mundo en Best Coast con el fin de mostrar una retrospectiva histórica sobre la trayectoria del arte callejero y el graffiti. Banksy  paga por “Free Mondays”, Invader evade a la policía de Los Ángeles, Eine pinta en  LA Weekly… Fue un buen año.