Eltono es conocido por sus patrones de colorido cuadro geométrico, como esta pintada en una pared en Bogotá, 2008
Di las palabras "arte de la calle" y es probable que la gente evoque imágenes que se apropian en gran medida a los cuadros gráficos inspirados en el arte del cómic o el constructivismo: El omnipresente Shepard Fairey con "Obey Giant", el rostro marcado en blanco y negro del luchador André El Gigante, que el artista ha pegado en las calles de todo el mundo; Retratos descarados de personas y ratas del bromista británico Banksy; o los iconos de un sinnúmero de otros artistas que ilícitamente pegan su trabajo en las paredes y señales de tráfico en todo el mundo.
Esa tendencia está cambiando. Los jóvenes artistas se alejan de la figuración común en el arte callejero - por no hablar de los elementos alfanuméricos de graffiti echos con latas de spray - produciendo obras que son más conceptuales, abstractas, e incluso en tres dimensiones.
Eltono artista callejero francés-español, de 35 años, por ejemplo, pinta a mano laberintos geométricos que evocan un tenedor de sintonía estilizada - un riff en su nombre -. Gabriel "Specter" Reese, de 32 años, artista canadiense-estadounidense, la moda urbana se niega a esculturas, instalándolas en espacios públicos olvidados en New York y Toronto. Brad Downey nacido en Estados Unidos con sede en Berlín, de 30 años, desentierra y reorganiza ladrillos en monumentos geométricos. Las piezas forman parte de una larga serie que él denomina "Esculturas Espontáneas", un proyecto que está recopilando en un libro.
"La idea inicial, con el graffiti, fue la de añadir algo de color a la ciudad," Downey dice de su obra. "Ahora creo que la mejor cosa a hacer es cambiar el significado de lo que ya existe, para reorganizar toda esa información." Como es el caso con el arte de la calle, gran parte de esta reorganización es contra la ley. Downey ha sido detenido en numerosas ocasiones.
Independientemente de los códigos municipales de vandalismo, esta nueva escuela de arte de la calle ha atraído la atención de los conservadores a nivel internacional. En 2008, la Tate Modern incluyó una serie de artistas que trabajan en este sentido en la exposición "Arte de la calle." El año pasado, la Fundación Caixa Galicia en La Coruña, España, organizó una exposición en toda la ciudad titulado "postgraffiti, Geometría y Abstracción", que presenta artistas que trabajan en una lengua vernácula abstracto-geométrico. Y, este mes, el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego concluye un programa de seis meses de duración titulado "Viva la Revolución: Un diálogo con el paisaje urbano", que incluía el trabajo de Akay, un sueco intervencionista que una vez elaboró una pequeña residencia en medio de un divisor de carretera.
Curiosamente, las teorías estéticas detrás de este arte parece casi convencionalmente académico. (Estudio de artistas como John Baldessari, Joseph Beuys, y muchos otros estaban haciendo sin permiso obras públicas en los 60) Lo que diferencia a este movimiento es que gran parte de este se inspira o ha evolucionado de una tradición de graffiti. La mayoría de estos artistas en algún punto han tomado una lata de pintura en spray y colocan palabras e imágenes en una pared ilegalmente. Después de haber adoptado este gesto, ahora lo están convirtiendo en algo nuevo.
"Lo que estos artistas extraen del graffiti son materiales, técnica y actitud - es muy ambicioso-", dice Cedar Lewisohn, el curador detrás de la exposición Tate Modern's street art y el autor de Graffiti Abstracto (de próxima aparición en Merrel en marzo). "Pero el arte viene un poco mas que un arte de fondo. Están haciendo el trabajo de referencia histórico-artístico".
Los artistas han llegado a estas nuevas formas de diferentes maneras. MOMO es un artista callejero de New York que desde el 2004 ha creado coloridos collage de pintura y papel, que cuentan con capas de rayas de coloridas y por debajo garabatos brillantes y formas geométricas. Al igual que como muchos artistas callejeros, comenzó obteniendo los métodos más convencionales aplicando su nombre en los trenes de mercancía y pintando retratos de conocidos en las paredes en ruinas. (MOMO es un apodo de la infancia. Al igual que algunos artistas entrevistados para esta historia, él prefiere que su nombre real no se utilice).
A principio en el 2003, con la guerra de Iraq que se avecina, MOMO dice que se encontró cada vez más menos inspirado por las imágenes que estaba produciendo. "Fue un momento en el que sentí que no guardaba relación con el público en general", recuerda. "No quería aplacarlos con obras figurativas, No quería inspirar nostalgia". Como resultado, sus retratos se hicieron más irregulares y descontruidos. Pronto, estaba trabajando con la abstracción pura y colocando sus collage en la calle. Desde entonces, ha creado piezas de encargo en el Museo de Imagen y Sonido en São Paulo y la Fundación Caixa Galicia, entre otros lugares. Como muchos artistas que trabajan en este ámbito abstracto y conceptual, que no tiene la representación de la galería y sobrevive en gran medida en el trabajo de comisión en pequeñas galerías,kunsthalles y museos.
Ciertamente el alejamiento de lo figurativo se relaciona con el hecho de que muchos de los artistas callejeros de hoy en día han tenido al menos alguna educación formal. Downey tiene una maestría en la Slade School of Fine Art de Londres. Eltono es licenciado en la Universidad Politécnica de Madrid. Otros, como MOMO, han realizado uno o dos años en la escuela de arte.
"Estos jóvenes no están tratando de levantarse" dice el crítico de arte de Nueva York,Carlo McCormick, quien ha seguido el arte de guerrilla urbana desde los años 80. "Hay más profundas raíces aquí que me hacen pensar en artistas como John Fekner y Gordon Matta-Clark, personas que iban en él de manera que eran en realidad conceptuales y activistas".
McCormick explora las obras de este tipo en su nuevo libro, Trespass: Una historia de Arte Urbano no comisionado, que fue co-autor con Marc y Sara Schiller en el popular blog de arte de calle Wooster Collective. "Mucho de lo que se ha hecho en el arte callejero y el graffiti se ha declarado", dice. "Lo que podemos decir sobre el arte abstracto es que al no empujar un mensaje por nuestras gargantas, puede ser más poético."
Para muchos de estos artistas pasar de las palabras y las imágenes figurativas es la clave. "Esto no se trata de imponer una idea", dice Nuria Mora de Madrid, de 36 años, cuyas abstracciones angulares de calle en ocasiones mezcladas con motivos florales inspirados en los textiles. "Se trata de obras tranquilas. Estoy tratando de crear un poco de silencio en la ciudad". Por su comisión más reciente para la Galería de Arte de Johannesburgo en Sudáfrica, construyó en el museo una estructura de sorbetes de colores que se encontraban sobre madera, desconstruida pieza por pieza y reinstalada en varios lugares del centro de las calles, a veces con permiso y a veces sin permiso.
El cambio a otro tipo de trabajo también representa un intento de crear algo que se mantendrá en medio de la gran cantidad de marcas que parecen ilícitas para cubrir todas las superficies de la ciudad disponibles. Durante años, Eltono etiquetó los túneles del tren cerca de París, pero cuando llegó a Madrid en los años 90, se encontró con una ciudad saturada de graffiti. "Para añadir mi nombre a eso ", dice,"no tenía sentido." Fue entonces cuando desarrolló el cuadro de los patrones geométricos de colores por los que ahora se conoce. (Hoy en día trabaja principalmente como un artista de instalaciones, y su obra de encargo ha aparecido en la Tate Modern y la Fundación Miró de Barcelona, entre otros lugares.)
Las actitudes culturales hacia algunos de los materiales también han jugado un papel en esta evolución. En muchas ciudades, pintura en aerosol está asociado con los actos más destructivos de vandalismo. Eltono dice que se cambió al pincel y la pintura de látex, no sólo porque le da una línea clara, definida, sino también porque "en la calle, pintura en aerosol es el diablo." Pero si se pinta con un pincel, dice, "nadie te molesta. No se considera agresivo." A menudo se puede ocultar a la vista, porque pocas personas están en desacuerdo con alguien que pinta la pared con pincel.
El carácter ilegal de gran parte de este trabajo es un no problema para la mayoría de los artistas entrevistados. Ellos ven lo que hacen como una manera interesante de tener un diálogo con el tejido urbano. Skewville es un dúo de Nueva York en cuyas irónicas piezas tridimensionales juegan con la arquitectura de la ciudad. (Su obra ha sido expuesta en galerías y centros de arte en Londres, Dublín, y Lille, Francia.) Cuelgan zapatillas de madera tallada en las líneas eléctricas y fabrican esculturas con tubos eléctricos que atornillan a los lados de los edificios.
"Si vas hacer de esto el tan llamado 'arte de la calle' entonces creo que debería ser más sobre la calle y menos sobre tan solo poner una obra", dice ad Deville, de 38 años, la otra mitad de la pareja. "Para nosotros, se trata de mantenerlo real, literalmente jugando con los materiales reales de la ciudad que se funden con el paisaje".
Reese, cuya obra ha sido expuesta en el Museo Real de Ontario en Toronto, dice que él comenzó su incursión más conceptual, haciendo las obras tridimensionales después de un periodo dedicado a trabajar para un arquitecto. Para la serie "Canner Tribute" en el 2010, construyó enormes piezas de carros de compra, botellas y cajas de plástico como una forma de pagar respecto a los hombres y mujeres anónimos que reciclan latas de aluminio. Instaló las obras sin permiso en espacios urbanos sub-utilizados a lo largo de puentes y carreteras con mucho tráfico en Nueva York."Quería crear una pieza que fuera un homenaje", explica. "Pero también me gustaba la estética de la misma. Mentiría si dijera que no se trataba de eso."
A medida que su trabajo se expande más allá de los parámetros establecidos del graffiti y arte urbano, existe un debate entre los artistas acerca de cómo llamarlo. El término "arte de la calle" se considera generalmente como inútilmente amplio. "Yo lucho con la idea de 'arte de la calle'", dice Patrick Miller, de 34 años, miembro del colectivo Faile con sede en la ciudad de New York, un dúo gráfico que comenzó a hacer trabajo de stencil en los años 90 antes de hacer el salto a las instalaciones de tres dimensiones. "La calle es sólo un vehículo, no el arte."
En 2009 Faile instaló en las calles de Brooklyn, dos ruedas de oración de tres dimensiones atadas, con tallas de la exploración de las ideas de consumo y la codicia. De forma, que se inspiraron en las ruedas de oración tibetanas (que eran de madera y podrían ser giradas). En la calle, las obras ofrecen una yuxtaposición inusual: un objeto sagrado atornillado-ilegalmente- en un paisaje urbano maltratado.
En general, el trabajo de Faile se extiende a ambos lados de las líneas entre la guerrilla y las bellas artes, el pop y el conceptualismo, la escultura y la arquitectura. El dúo continuará colocando las fichas en la calle de manera ilícita. Pero también son los únicos artistas entrevistados para este artículo que tienen representación en galería, por Perry Rubenstein en Nueva York y Lazarides en Londres. Sus collages serigrafiados en madera son a menudo valorados a un precio más de $ 60.000. El año pasado, la pareja completó una gran comisión específica del sitio, un templo falso-histórico en una plaza en la Estrategia de Lisboa como parte del festival de Arte de Portugal 10. "Es una falta de definición entre el arte de la calle, el arte público y la intervención pública ", dice Patrick McNeil, de 35 años, la otra mitad de la pareja. "Se encuentra en algún punto intermedio."
Javier Abarca, curador y crítico que enseña en la Universidad Complutense de Madrid y escribe sobre el graffiti en su blog, Urbanario, dice que es hora de repensar la taxonomía del arte de la calle. Mientras que el "graffiti" sigue siendo el término elegido para describir tags hechos con latas de spray, "arte de la calle" con su todo en lasimplicaciones de calle se ha vuelto difícil de manejar. Abarca dice que él usa el término"post-graffiti" para describir cualquier tipo de icónica marca de decisiones en la calle.
Históricamente, esto incluiría a figuras como el artista pop de los 80 Keith Haring, que ha creado un vocabulario visual claro, que fue inspirado por el graffiti, pero no lo imitan. Hoy Postgraffiti podría incluir el trabajo de artistas como MOMO y Eltono (así como Fairey y Banksy), que han desarrollado símbolos visuales fácilmente identificables. Para obtener más obras para lugares específicos, tales como las medidas excepcionales creadas por Downey o Reese, Abarca utiliza el término"intervención", que se refiere a una pieza en el contexto de un entorno muy preciso.
Naturalmente, no siempre está claro quién pertenece a qué columna. Casi todos los artistas mencionados anteriormente cruzan de una categoría a otra, desde la calle a la galería, desde el graffiti hasta postgraffiti, a la intervención, eludiendo categorías.
"El interés para mí es en esta zona gris donde las palabras no hablan bastante a a la perfección", dice MOMO. "Si estamos teniendo problemas con las palabras, significa que algo nuevo se está formando."
Carolina A. Miranda es una escritora independiente de Nueva York y colaboradora habitual de WNYC.
Para más detalles sobre las obras de los artistas ingresar al link:
Vía: artnews
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