El concepto Arte en el espacio público se viene designando desde los años 60 aquellas tendencia de muchos artistas a sacar sus obras de los museos y a integrarlos en el espacio urbano. Desde entonces una joven generación de artistas se ha involucrado a lo público desechando el espacio nítido museal. Ahora mismo el espacio público confronta nuevos condicionamientos urbanos, historicos, politicos y sociales, lo que hace del artistas público un activista y un nuevo ciudadano. El objeto fundamental del Arte Público es desmitificar el concepto de creatividad… Nuestra intención es convertirnos de nuevo en ciudadano.

sábado, 27 de noviembre de 2010

Dran 'Mi Vida Cotidiana' en la tienda pop-up Pictures On The Wall 'Dibujos y Stencils'

La tienda pop-up imágenes en las paredes "Dibujos y Stencils" abrió sus puertas al público a principios de esta semana. La formación de una parte importante de la tienda es una exposición del artista francés Dran. Bajo el titulo "Mi vida cotidiana" que incluye un personaje llamado Scribouille, una marioneta sin hogar cuya vida se dedica a otra cosa que la creación de arte. Dran tiene ojo para el detalle y un gran ingenio todos encontrados en su habilidad para dibujar. Voy a dejar que las imágenes hablen por si mismas:

Scribouille en el trabajo en un dibujo 3d.
El trabajo en cartón juega con las presentes palabras ya impresas.




En otras partes hay otras piezas de objetos recuperados, como este tipo robando un marco y dejando el arte.




Por 50 céntimos se puede comprar una postal y crear tu propia pequeña obra maestra para ponerla de muestra en la pared de la exposición. El mismo Dran, va a elegir un ganador y si te gustaría regresar recuerda ponerle un sello y tu dirección en la parte posterior.
Esta postal ha sido modificada para incluir el texto 10Foot puesta sobre la antigua calle donde banksy hizo su pieza de querubín. 10Foot inició recientemente una extensión dentro de 26 meses para el graffiti, más información aqui:
Me gusta esta, la imagen ha sido modificada para cambiar completamente la vista.

"Mi vida cotidiana" esta en "Dibujos y Stencils" en la calle Berwick, Soho, Londres. Horarios en Pictures On Walls.

miércoles, 24 de noviembre de 2010

Subcultura del graffiti - UN ARTE QUE NO TIENE UNA ANALOGÍA

Cada uno de nosotros, caminando por las calles, pasando por el metro, notamos el fenómeno llamado "graffiti".
Hace algunos años, cuando los observé por primera vez, estaba muy interesada en ellos y la pregunta que me hice
a mi misma fue quienes son las personas que los dibujan
y cuando lo crean. Me pregunte a mí misma esta pregunta, porque nunca he visto a un hombre que dibuje graffiti. E incluso nunca estuve pensando en lo interesante de su historia y en el profundo contenido de sus consignas. ¡Prestemos atención a ellos!

SubcultureSubculture
ORIGEN
Durante la búsqueda de las diferentes fuentes para el origen de la palabra "graffiti" llegué a la conclusión de que
no existen exactamente
hechos de cuál es el origen de esta palabra. Algunos especialistas consideran que la palabra "graffiti" viene de la palabra griega "graphein", que significa "escribir". Más tarde esta palabra se desarrolla
y se convierte en la palabra latina "graffito".
De acuerdo con otros exploradores, la palabra "graffiti" viene de la palabra italiana "graffiare".En conjunto se puede decir, que el graffiti es un dibujo, rayar o escribir en superficies plana.
Durante los años.
Los graffiti fueron y serán siempre una de las artes más interesantes y atractivos del siglo ХХ. Son especialmente atractivos también por el hecho de que el autor suele mantener su anonimato. Los graffiti son una parte inseparable de la cultura de la ciudad, pero ¿por qué no también de la subcultura de la ciudad. Toman un lugar enorme en la vida del hombre de la ciudad, porque los mira inconscientemente y no en la forma de como gobernar.

Por lo general, el territorio del graffiti es un territorio de las subculturas juveniles, ya que por el arte del graffiti los jóvenes se identifican y encontraron su lugar en la sociedad. Los graffiti son una especie de grito, una protesta contra las normas, una salida social para los jóvenes, en los que se identifican y trata de mantenerla, declarando sus mensajes en las paredes, garajes, pasos subterráneos, etc.

La historia del graffiti proviene del Bronx y Brooklyn y rápidamente incursiono en Nueva York en los años 70. La cultura del graffiti es una protesta contra los chicos ricos, que gastan el dinero de forma indiscriminada, pero al mismo tiempo existen personas muy pobres en los suburbios de Nueva York, que se descomponen y por esa razón ganan dinero por ofertas sospechosas. Por el graffiti estas pandillas "marcan" su territorio, con un objeto "los chicos ricos" para saber con quién se podría hacer negocio.

El graffiti se une en la mayoría con la música rap y el hip-hop de los años 70 y 80, y esta es la subcultura de la época, que prefiere vivir en el borde y con peligro por la vida. Por supuesto, la subcultura del graffiti no pasa por Europa. Todo lo contrario - en la muchas de las ciudades europeas el graffiti toma un lugar respetable en la ciudad de todos los lugares. Son especialmente extendido en Francia, España, Gran Bretaña, etc. En Bulgaria, el graffiti comienzan su desarrollo visible alrededor de 10 años antes. En nuestro país, para la distinción en EE.UU., el graffiti significa ante todo una auto-declaración y el deseo de crear, mientras que en América está en primer lugar una protesta social. En Bulgaria, el graffiti puede ser un llamado a todo el mundo - a partir de ésto, los graduados en las Academias de arte, sólo tienen un deseo de dibujar en las paredes, para poner su mensaje y su grito en la pared.
El comienzo - 1971-1974.
Uno de los grafiteros en EE.UU. es TAKI 183 (tal nombre, era el número de la calle donde vivía). Su lugar de trabajo estaba en la carretera y utilizó las paredes de los túneles y de los coches para expresarse. No es el primer grafitero, pero él es uno de los fundadores de este tipo de cultura underground. Incluso en ese momento el diario "Times" publica un artículo sobre él.

En Brooklyn, uno de los primeros "artistas" es FRIENDLY FREDDY. La parte más importante del graffiti en ese momento son los tags por la tendencia a ser esparcido en tantos automóviles y trenes como fuera posible. Pero esto no dura por mucho tiempo. Los rayadores consideran que en los depósitos de los trenes y en las últimas estaciones se puede rayar con más y más calidad en el y con posibilidades muy pequeñas de ser capturados. En esta forma nació el concepto y el método BOMBAS.

ГрафитиГрафити
El florecimiento 1975-1977.
Con el transcurso del tiempo se observa un desarrollo de la cultura del graffiti. La evolución del graffiti comienza con grandes BOMB-ings. Camiones enteros comienzan a ser rayados y esto se convierte en una práctica común. En conjunto las BOMB-ing pertenecen al estilo THROW UP o en el estilo BUBBLE UP. El THROW UP en rápidamente hecho un método de simple esquema y suave relleno; el BUBBLE UP es como el THROW UP, es como si aglutinaran goma de mascar. Los dos estilos se utilizan más a menudo para los nombres. Los pioneros de estos estilos son IND y BMT, algunas bandas como POG, 3yb, BYB TC y TOP contribuyen para la confirmación de lo básico. Los rayadores se vuelven cada vez mejores, las competiciones se vuelven comunes, y el objetivo es captar quien raya mejor y más rápido. En 1975-1977 el estilo THROW UP es censurado por la sociedad, después de que todos los camiones, autobuses y trenes están rayados.
Desarrollo de la cultura Graffiti 1978-1981.
Los graffiteros existentes toman ahora nuevas y diferentes direcciones y los diferentes estilos del graffiti gradualmente comienzan a ampliar su espectro. En 1980, los diferentes estilos del graffiti empiezan algo así como una competencia con el objetivo de rayar más lugares. Pero en ese momento los municipios inician muy a menudo una limpieza de los espacios públicos. Muchos graffiteros comienzan a preferir más y más el trabajo de un pintor normal, que el oficio de un rayador. Los graffiteros, que se quedan con su vocación de rayadores, establecen el movimiento graffiti internacional y empiezan a conocerse en algunos lugares especializados.
La adaptación a la ley - 1982-1985.
Este período es tal vez el más crítico para la historia del graffiti. La cultura de la escritura comienza a empeorar. Inscripciones como FUCK y otros como este comienzan a inundar los espacios públicos. El tráfico de drogas y armas aumenta y esto también le da poder a los graffiteros dar rienda suelta a sus almas en las paredes de las ciudades. Medidas drásticas se inician en contra de la venta de los aerosoles, las multas por hacer garabatos
en las paredes aumenta, la seguridad en las carreteras también
aumenta, el movimiento "Antigraffiti" se estimula.
En la mayoría de los lugares donde se rayaba se convertirse hasta ahora inaccesible y bien vigilado. Las paredes
se construyen para ser fácilmente reparadas en caso de daño por los graffiteros.
Debido a las medidas para reforzar
la seguridad, muchos de los rayadores empiezan a salir de Nueva York.

ГрафитиГрафити, участвали в конкурси
La muerte del graffiti - 1985-1989.
En estos años la cantidad de fuertes rayones hechos por el graffiti descendió. Los rayadores empiezan a utilizar más el cursor del dibujo en sus iniciales y contribuyen entre ellos mismos. Hoy Londres es la capital europea del graffiti
y en Europa por lo general el dibujo de los graffitis tienen un enfoque muy liberal.
Pero en conjunto, estos años para Nueva York demuestran ser los últimos para el avance de este tipo de trabajo.
Profesión "Graffitero"
Ser un graffitero puede ser algo que no es tan fácil de hacer. Este es también un trabajo como cualquier otro, exige también mucha aplicación, exactitud y sobre todo - demanda certeza en las posibilidades de la persona. De acuerdo con un autor existen algunas indicaciones, que definen al graffitero. Pueden ser reconocidos como "los de los ojos enrojecidos por influencia de los aerosoles tóxicos,por algún tipo de droga o por las noches sin dormir". También el graffitero se viste de pantalones anchos, para esconder los marcadores. Además esta "cubierto de puntos de spray
o de marcadores en las manos,debajo de las uñas y en los zapatos.
Festivales y Concursos.
Las principales áreas para la expresión de los graffiteros son los festivales
y concursos,
donde se reúnen con el reto de competir con muchos de sus socios concurrentes y profesional. Es un verdadero placer para los caprichosos graffiteros poder participar en este tipo de iniciativas, ya que no es solo una competencia, sino también la posibilidad de ver lo que hacen las otras personas en el mundo de este ámbito y de esa manera desarrollar cualidades en el graffitero. En estos concursos y festivales los especialistas en murales compiten en diferentes categorías y estilos de lineas. Por lo general, el jurado esta compuesto por personas del arte y
por escasos medios de comunicación. Estas competencias son acompañadas por las actuaciones de diferentes DJs y con sus habilidades provocan en los graffiteros dar su mejor esfuerzo y poder presentarse muy bien. Muy a menudo, el acompañamiento de la música incluye también actuaciones de break dance y de patineteros.





La subcultura del graffiti en Internet.
El tema "Graffiti" se discute de forma permanente en Internet. El tema del graffiti le gusta mucho a la mayoría de la gente, pero a la mayoria de ellos no les gustan los tags en las paredes de las calles - estas son las iniciales de los graffiteros, elaborado con sprays o marcadores. No existen muchos blogs de graffiti, que no estan lo suficientemente desarrollados y que tienen la necesidad de más información y material fotográfico.
El tema antigraffi.
El tema del graffiti es en la medida muy querido, así como muy odiado. Las opiniones sobre el graffiti son muy contradictorias - si son un arte o una manifestación hooligan. Hay muchos sitios, en los que se toca el tema antigraffiti. Esto significa que en algunos países el graffiti se volvió un problema social.

En los sitios de Bulgaria, que tachan el arte de graffiti, el tema del graffiti se define como un delito, incluso como en "terrorismo en fase de larva". Según algunos autores en el vandalismo no existe nada artístico. El estado es acusado en dar dinero para la limpieza de los graffitis y en organizaciones para festivales y competencias, el lugar de dar este dinero para otros fines.

"El sufrimiento" de los propietarios de los edificios invadidos por el graffiti, frente a la imposibilidad de hacer lo que sea, buscan la manera de hacer frente a su problema. Mucho tiempo se trato todo tipo de forma para la eliminacion de los rayones no deseados, pero no dieron resultado. La mayoría de los removedores de pintura, que se utilizan para la limpieza de las paredes, destruir la superficie y en vez de dar una ayuda a la pared, traían daños al edificio. Pero ahora existe un nuevo removedor de pintura, de la cual los propietarios de los edificios están muy satisfechos. Incluso le dan publicidad. En la nueva construcción de viviendas los revestimientos antigraffiti ya se utilizan y de este modo las huellas del graffiti no se quedan por fuera.

Визия от антиграфити кампания в Сан ФранцискоВизия от антиграфити кампания в Сан ФранцискоВизия от антиграфити кампания в Сан Франциско

Por ejemplo, en San Francisco, se organizan campañas antigraffiti con una reducción objetiva de los tags en las paredes y con los principales lema "Limpie los tags de su barrio, antes de que se propaguen por todo el lugar". Carteles que muestran como las inscripciones de las calles entraran en los hogares de las personas, acompañan esta campaña.

Lo interesante es que incluso en EE.UU., donde la gente tiende a ser más abiertos a las nuevas formas del arte también hay una rutina en el pensamiento y todavía esta subcultura no se percibe como un arte. Pero en última instancia, los individuos son diferentes y cada uno necesita de un espacio privado, así como tener el derecho de protestar en contra de esta forma de arrebatar el espacio privado, que pertenecen por lo general a todo el mundo.
En conclusión.
Cultura, moda, arte o movimiento - el graffiti puede ser calificado, tipificado y definido con nombres muy diversos. Pero lo más importante para el graffiti es que están hechos por personas de libre pensamiento, que tienen sentido en la belleza y en el arte no tradicional. Su concepto de la vida es que podría llegar a ser más fresco y colorido gracias al graffiti. Lo malo es que el ambiente urbano es para todos, pero no todo el mundo entiende el graffiti como un arte. La cultura del graffiti empieza a convertirse en un problema, en el que la gente tiene que hacerle frente. Sin embargo ahora la situación es que el graffiti ha cambiado en algo así como un segundo plano a la realidad urbana, de algo inevitable y lógico, a algo que no nos concierne. Esta es la triste realidad, en frente de quien estamos manteniendo una postura y que de igual manera no podemos cambiarlos, a menos que no pensemos en una forma efectiva de actuar y de tomar una decisión concreta. Sólo si no lo intentamos, podríamos decir que no hemos ganado un cambio en la situación. Por esa razón tenemos que pensar y actuar rápidamente con el objetivo de que nuestra ciudad se mantenga en un lugar hermoso, donde la falta de armonía y los conflictos no tengan poder, sino solo la comprensión y la domesticidad de la capital europea contemporánea.

Kristina Paytasheva

Vía: www.fashion-lifestyle.net

domingo, 21 de noviembre de 2010

ACTIVISMO EN LAS ARTES


A partir de la importancia que ha tenido el activismo en las artes en las últimas décadas (70, 80 y 90) se deriva nuestra reflexión, basado en su esfuerzo por mejorar la barrera que separa el mundo del día a día y la producción de masas con la esfera del mundo cotidiano, la mayoría de las acciones activistas “consisten en trabajos públicamente visibles en el espacio urbano, temporales, empleando medios de reproducción masiva…”. El activismo es la “vía de trabajo no institucional más radical dentro del paisaje cultural, la cual plantea trabajar con una audiencia más amplia y con actitud crítica hacia los problemas actuales”. Nina Felshin emplea el término “arte activista”, definiéndolo como “un híbrido del mundo del arte y del mundo del activismo político y la organización comunitaria”, resumiendo que su objetivo es incitar a un cambio social.

La práctica activista se apropia de los espacios públicos, tiene lugar en sitios de calle claves, más que dentro del contexto del mundo del arte. El discurso sobre arte público ha derivado preocupaciones dentro del mundo del arte. Pudiendo ser un medio razonablemente efectivo para contribuir al crecimiento de la cultura; definiéndolo como una arena de actividad política y redefiniendo el arte que en él se hace, como un arte que participa en o crea por sí mismo un espacio político, es decir, un espacio en el que asumimos identidades y compromisos. En la esfera pública se puede actuar de muchas maneras pero, sería importante resaltar dos maneras específicas: por una parte, la actividad del artista que interviene con su obra en un espacio público con fines más o menos democráticos, y, por otra, la actividad de artistas que trabajan en el seno de grupos activistas comprometiéndose (la mayoría de las veces temporalmente) con determinados colectivos sociales y alejándose, en ocasiones de un modo radical, de las entendidas como tradicionales fronteras del arte.

Entonces, es a partir de este punto que empezamos a entender como arte activista a una forma de arte político que se mueve en un territorio intermedio entre el activismo político y social, la organización comunitaria y el arte. Basado en la famosa idea de Nancy Fraser “existe aún mucho que objetar a nuestra democracia realmente existente”, ha surgido como una fuerza democrática inspirada por la idea de los derechos. Teniendo como objetivo fundamental conseguir reconocimiento para los colectivos marginados; estos nuevos movimientos “defienden y extienden derechos adquiridos, pero también propagan la exigencia de nuevos derechos basados en necesidades diferenciadas y contingentes”.

El arte activista surgió a mediados de los setenta, de la unión del activismo político con las tendencias estéticas originadas el arte conceptual de finales de los sesenta y principios de los setenta, como proyectos e iniciativas independientes a las formas artísticas convencionales. Se sitúa de un modo parcial fuera de las confusas fronteras del mundo del arte y obliga de nuevo a replantearlas. Los artistas (aunque no sólo ellos) se convierten en catalizadores para el cambio, posicionándose como ciudadanos activistas. Los activistas no se contentan simplemente con limitarse a realizar preguntas, por muy pertinentes que sean, sino que se comprometen en un proceso activo de representación, intentando al menos “dotar” a individuos y comunidades, potenciar el espacio público y finalmente estimular el cambio social aunque sea a largo plazo. Entendiendo por “dotar a una comunidad o grupo social” como la creación de métodos y herramientas de trabajo efectivas que puedan ser continuadas por la propia comunidad. Por eso el resultado es a largo plazo.

Emplean metodologías, estrategias formales e intenciones comunes con el objetivo de aumentar la conciencia pública ante situaciones insostenibles; envolver al público; hacerle partícipe de las ideas y demandas defendidas, mediante información y educación.

Según referencias cronológicas para mediados de los años 60 y 70, se llevaron a cabo una serie de actividades culturales, desde el arte conceptual hasta lo que hoy en día conocemos como performance. Desde luego, los artistas activistas para los que ya no se trataba simplemente de adoptar un conjunto de estrategias artísticas más inclusivas o democráticas, o de abordar los problemas sociales o políticos bajo la forma de una crítica de la representación dentro de los confines del mundo del arte, crearon una forma cultural que adapta y activa elementos de cada una de estas prácticas estéticas críticas, unificándolas orgánicamente con elementos del activismo y de los movimientos sociales.

El arte activista tiene, entonces, un carácter radical, en el sentido de que en lugar de estar orientado hacia el objeto o el producto, cobra significado a través de su proceso de realización y recepción, se contextualiza en situaciones concretas locales, nacionales o globales y significa siempre también una creación en tiempo real. Es un arte de naturaleza pública y colectiva, por un lado está empeñado en producir “esfera pública” y, por otro, en activar en ella una “construcción de acuerdos” sin la cual la esfera pública carecería de sentido y de eficacia política porque no se construiría en ella una comunidad. No deberíamos dudar de esto, según palabras de Kluge y Negt, significa que “ya puedo olvidarme de cualquier tipo de política si rechazo producir esfera pública”.

El arte activista no sólo produce en la esfera pública, sino, sobre todo, quiere producir esfera pública y es allí donde activa la construcción de consensos lo que lleva consigo, una vez más, la necesidad de desarrollar un conjunto de capacidades que normalmente no se asocian a la práctica del arte. Para los realizadores la participación se convierte en un proceso de autoexpresión, y muchas veces de autorepresentación, protagonizado y asumido por toda la comunidad.

El impacto político real del arte activista puede ser, pues, a largo plazo, aunque en un principio se origine en una situación de emergencia. Es evidente que no puede cambiar de manera inmediata sustancialmente las cosas, pero a la larga creemos que sí puede ayudar algunas veces a dotar a una comunidad o grupo social de un sistema efectivo de autorepresentación y autoexpresión en el espacio público, es en este punto donde formalmente podríamos decir que nos encontramos delante de un activismo en las artes, aquel que no solo desarrolla soluciones a niveles artísticos de un problema sino que crea las herramientas necesarias para que la comunidad pueda continuarlas.

Yeily Fernández.

sábado, 20 de noviembre de 2010

MARQUESINAS DE ABSOLUT EN CHICAGO


Exactamente un año después del lanzamiento de la campaña Every Drink is an Exceptional Experience, Absolut refuerza su visibilidad justo antes de la temporada festiva en Chicago con la adaptación de publicidad a marquesina de autobús de la ciudad a partir de realizada por la agencia TBWA\CHIAT\DAY de New York.

El trabajo de los artistas que participaron en esta campaña (Ellen Von Unwerth, por ejemplo) se convierte en realidad, como si la decoración de la fotografía se hubiera materializado. Así, los transeúntes tienen la oportunidad de abandonar su actitud pasiva ante la publicidad y tienen la sensación de ser parte de la fotografía. Claro, que aquí no encontraremos a Kate Beckinsale y Zooey Deschanel de carne y hueso.

Vía: Codigo Visual.

jueves, 18 de noviembre de 2010

Entrevista a C215

¿Conoces a C215? C215 usa estencil como un instrumento musical, te da vibraciones y sentimientos de forma gratuita. Esta es su entrevista para Fatcap

FC: ¿De donde eres? y ¿cual es tu historial?
C215: Soy de París. Siempre he estado dibujando y la primera vez que pinte en la calle con una lata de spray fue hace 20 años. Comencé pintando "Vespas" de tamaño real las cuales sigo pintando todavía, pero ya no las pinto a mano libre sino con estencil... Tengo 35 de ellas. Realice mis estudios universitarios en historia del arte, hasta un doctorado en Sorbonne. Las cosas se volvieron serias poco a poco.

FC: ¿Cual fue tu interés por el arte y que te llevo a crear todos esos estencil?
C215: El estencil me permite combinar la pasión por el dibujo y el graffiti. Es tan bueno colocar en la calle el trabajo de varios días, en unos pocos minutos y sin ninguna autorización necesaria...

Stencil in the street by C215

FC: ¿Como definirías tu trabajo y que te inspira?
C215: Hago estencil, realistas pero estilizados, que realizo como un trabajo manual sin computadora, pero con ayuda de una fotografía. Empiezo con una idea para finalizar con otra, la de mi obra que pinto en la calle, la cual es parte de una estructura mientras me divierto haciéndola.

FC: Pareces amar las expresiones faciales, y usas el poder de las mismas a través de tu talento. ¿Puedes explicarnos porque tienes esta "obsesión?
C215: Los rostros son paisajes, y proporcionan una amplia variedad de expresiones, marcando las identidades, los antecedentes, por lo tanto muchos mensajes. Pinto sobre todo vagabundos, refugiados y niños de la calle, personas que realmente viven la experiencia de la calle y para quienes el arte de la calle nunca es destinado.

FC: ¿Cuál fue tu mejor y tu peor creación?
C215: Siempre sentimos que la ultima creación es la mejor hasta que hacemos la siguiente que nos disgusta de ella :)

FC: ¿Si tu estilo fuera una banda musical o una canción? ¿Cuál sería?
C215: Me gusta el swing, el Cajún folklore, ska y las cosas pasadas de moda.

FC: Vi un video tuyo en Londres en el que estas haciendo tus obras de arte como si fuera legal. ¿Es la mejor manera para no ser detenido?
C215: El problema no soy yo si no la ley, por lo cual no me siento culpable de hacerlo. Tal vez sea más natural entonces.

C215 wheatpaste in the street

FC: ¿Usas drogas? ¿Necesitas algo en particular para ser creativo?
C215: jajajaja si solo fuera creativo, nunca tengo ideas si no obsesiones...

FC: ¿Sientes que el trabajo que haces es algo que debe ser conservado o temporal?
C215: Esa no es mi preocupación. Solo lo hago.

FC: ¿Sueñas con estencil y colores?
C215: A veces, pero en realidad puedo interpretar cualquier escena que veo a diario en mi vida cotidiana en mi estilo de estencil con solo un vistazo.

FC: ¿Qué hiciste la semana pasada?
C215: Estaba en Polonia, haciendo un taller y algunas pinturas en Varsovia.

FC:¿Cuál fue tu obra más peligrosa y aventurera de Graffiti-Esténcil?
C215: Pintar mi autorretrato en las afueras de la galería National Portrait en Londres, un viernes en la tarde ante una enorme multitud caminando, sin ninguna autorización.

Various stencil by C215

FC: ¿Qué tipo de reacción quieres evocar con tu arte?
C215: Solo quiero que capten una emoción. Y hacerlos sentir de nuevo la sensación de libertad.

FC: ¿Cuáles son tus lugares favoritos?
C215: Rusty o todas las puertas completamente taggeadas.

FC: ¿Puedes hablar de tu trabajo con Dan23?
C215: Es uno de mis mejores amigos y una gran influencia para mi. Se trata de una buena emulación tener de mejor amigo a un artista tan talentoso y agradable.

FC: Describe un día típico para C215.
C215: Soy una especie de robot trabajador. Me siento tan feliz de poder hacer mis cosas todos los días que no necesito nada más.

FC: ¿Cómo elijes las imágenes y donde serán colocadas en la calle?
C215: Todo está contextualizado y preparo nuevos esténcil cada día. por lo que hay nuevos estencil de calle cada semana, cada uno preparado pensado en el próximo viaje.

FC: ¿Qué piensas de Hype?
C215: No se que pensar al respecto. No salgo mucho de mi casa ni de mi estudio, si no para salir a pintar.

Stencil by C215

FC: Nombra un artista cuyo trabajo respetes y admires.
C215: Ernest Pignon Ernest

FC: ¿Cómo describirías el arte urbano y lo que lo hace diferente del graffiti o dirías que todo cae sobre el mismo paraguas de mierda? ¿No crees que es totalmente diferente?
C215: El nombre graffiti es principalmente calificado con estilo en la ciudad, mientras que el arte urbano es más dirigido a transformar las situaciones contextuales en una arquitectura definida.

FC: ¿Cómo te sientes acerca de la comercialización del arte urbano en los últimos años?
C215: Podría ser bueno, pero si los artistas continuaran haciéndolo en la calle. Muchos están ocupados con las galerías que se olvidan de la calle...

FC: ¿Qué viene en los próximos meses? ¿Proyectos, presentaciones, colaboraciones?
C215: Exactamente. Un montón de cosas. Muchas sin duda. Me gustaría estar en un lugar tranquilo, escondido y hacer nuevas cosas sin ingresar a Internet durante meses y de repente mostrarlo todo.

FC: ¿Cuál es tu verdadero objetivo?
C215: Básicamente, sólo ser libre de pintar hasta que muera. Seguramente también hacer sentir orgullosa de su padre a mi hija Nina de 5 años, y enseñarle lo que sé si ella está interesada.

FC: ¿Algunas palabras sabias?
C215: Dejen de consumir.

Si deseas obtener mas obras de C215, visita su perfil en FatCap: C215.
Vía. Fatcap

miércoles, 17 de noviembre de 2010

WK Interact está en México y eso lo sabemos!


WK Interact, uno de los artistas de mayor reconocimiento a nivel mundial, comenzó hoy esta instalación del mural denominado “Black Palace” (o “Palacio Negro”), en el exterior del Archivo General de la Nación. El edificio del Archivo sirvió como penitenciaría entre los años 1900 y 1976, y se conocía popularmente como Palacio Negro de Lecumberri.


El monumental mural, que medirá 200 metros de largo por casi 7 de altura, se inaugurará este 25 de noviembre del 2010 y estará expuesto por dos meses. La obra se encuentra inspirada en La Revolución Mexicana y expresa, con el movimiento y dinamismo que caracterizan la obra de WK, la lucha de poderes entre el ejército revolucionario y el porfiriano. Los soldados se desplazan a caballo, que es uno de los elementos que más le llaman la atención al artista.-“El caballo está presente a lo largo de la historia y cultura moderna de México, desde la conquista hasta la fecha. En el mural, el caballo sirve de elemento unificador y le da el movimiento y fuerza a la pieza”- explica el artista.


Así mismo, la ubicación del mural en el actual Archivo General de la Nación es de gran importancia para WK, por la relevancia histórica del edificio. La cárcel de Lecumberri fue construida por el gobierno de Porfirio Díaz en 1900, y ahí fueron asesinados Francisco I. Madero y José María Pino Suárez. Además estuvieron encarcelados, entre otros muchos personajes históricos, Pancho Villa y posteriormente el legendario muralista David Alfaro Siqueiros. Hoy el Archivo alberga gran parte del acervo cultural e histórico de México, y parte del edificio está en proceso de convertirse en museo, proyecto al que se suma esta importante obra.


El artista, quien donará el mural a la Ciudad de México, desea que esta obra sirva de homenaje a la larga tradición muralista de México, desde la decoración de las ciudades prehispánicas, hasta las majestuosas obras de los grandes muralistas mexicanos del siglo XX.


Algo interesante para todos los que dicen que todo sucede solo en la Condesa.









Vía: thecitylovesyou

lunes, 15 de noviembre de 2010

INTERFERENCIA PÚBLICA


Durante la intervención convocada por la plataforma Taller de Bicicletas llamada “Interferencia en Petare” al este de la ciudad de Caracas, se dejo más que evidenciado lo preconizaba Siah Armanjani; “que los artistas son los nuevo ciudadanos”, y que ciertamente, los ciudadanos deben asumir los espacios con un rol protagónico. Esta intervención dejó en claro que las ciudades ya no necesitan héroes o figuras ejemplares a quienes conmemorar a través de monumentos cargados de simbolismo y política, necesitan más ciudadanía.

Indudablemente, sería a partir de los años 60, cuando los monumentos conmemorativos le ceden los espacios públicos a las obras de arte, no obstante, y a pesar, que la ciudadanía aceptó de grata manera el arte moderno en los espacios públicos contemporáneo, fueron contadas las obras como la de Chillida, las que se conjugaban con el espacio, es decir, las obras expuestas no interpretaban esos espacios, habitualmente, estas eran elementos indiferentes y/o sin identidad definida, por lo que ahora podemos pasar delante de ella con la misma indiferencia con la cual pasamos delante de un monumento.


Sería en los años 80 cuando las obras en los espacios públicos se hacen más relacionales, dejando de ser jarrones chinos que no sabían donde colocarse, por el contrario, estas estaba concebida para un lugar, interpretándolo y en otros casos redefiniéndolo como lo plantearía el site specificity. El problema radicaba que estás obras eran concebida desde la genialidad del artista, y nuevamente, la ciudadanía que cohabitaba en esos espacios no eran tomada en cuenta. Por lo que podríamos decir, que la retirada de la obra Tilted arc de Richard Serra de Foley Square en la ciudad de Nueva York, establecería el notorio precedente de cómo una obra puede afectar al usuario, porque sería los mismo ciudadanos de esa ciudad quienes a través de continua protestas y denuncias solicitaron que retirara una obra la cual consideraban una cicatriz en esa plaza.


En los 90, las culturas marginadas hacen uso de un activismo ciertamente político, pero que buscaba en si mismo una estética democrática y plural. Este Arte Activista que surgiría a mediado de los 70 originado del Arte Conceptual le daba la voz a esas culturas, a la vez que las incorporaba al cotidiano urbano y le da un espacio en la historia del arte.

Actualmente, no podemos decir que la práctica de colocar obras no relacionales en los espacios públicos haya desaparecido. Lo que si es cierto, es que los monumentales héroes han sido sustituido por una publicidad que se ha establecido como el nuevo monumento urbanos, cambiando el tradicional pedestal por una edificación. También es cierto, que el activismo social hecho Arte Público cada día asume más los espacios relacionales urbanos, haciendo de estos espacios un lugar.

Ejemplo de Arte y activismo, fue lo que reflejó Interferencia en Petare de Taller de Bicicletas, cuando más de 250 estudiantes, artistas y vecinos, a lo que se les incorporaron un colectivo de artistas de la ciudad de Valencias y el colectivo de danza Gato Rojo, todos promocionados por Fundalamas y la junta comunal de esta populosa zona, asumieron las calles del casco histórico de Petare como un espacio propio, espacio el cual era desconocido para muchos participantes. Esta acción de colocar pendones intervenidos con coloridos dibujos y frases, más que un acto de reciclaje artístico, fue un espléndido acto de asumir esas calles anónimas para expresar la ciudad a la cual todos anhelamos.


Podríamos entonces concluir, que el Arte Público ha dejado de ser sólo el arte de colocar obras en espacios públicos, para ser el arte que conjuga espacio y ciudadanía a favor de una ciudad. Debemos considerar, que si bien el Arte Público no abraza un sistema social, ahora mismo es un Arte Social responsable y comprometido con su espacio, un arte que fusiona tendencias. Definitivamente, un arte que no necesita de héroes a quienes simbólicamente habrá que rendirle culto, porque los héroes son todos lo que en él se involucran, puesto que, el mayor monumento que puede tener una ciudad son unas calles con identidad que nos represente como sociedad y una ciudadanía que se activa a favor de sus calles.

Douglas García R © 2010